关于古典绘画的色彩，是与古代画家对明暗调子的追求有直接关系的，一幅画如果以明度对比为主导，色彩就要尽量单纯，同样道理，一幅画如果以色彩对比为主导，明度调子就要尽量柔和。比如印象派的画，色彩最为丰富，但如果拍成黑白照片，会发现明度调子很弱，连形象都很难辨识。而古代的画家从中世纪到文艺复兴，一直认为光与色彩是善变的幻想，只有形体才是真实的恒久的，所以他们追求在绘画中以坚实的造型来主导画面，而明暗调子对比是实现这一理想的最佳途径，同时，在色彩方面，画家们尽量使用无彩色系及原色和间色为主导，使人看起来颜色都很正。当然，这是理论层面上的，看很多名画就能看出这种倾向，但古代也有很多色彩的大师，比如维米尔，他的色彩是很微妙的，如果见过原作，会惊叹其色彩的魔力，惊叹在造型至上的时代也有如此善于用色的大师。
至于技术层面，古代画家用的颜料多是天然矿物磨制或从自然界动植物提取的，颜色种类不像现在这么丰富，搭配上却比现代讲究得多，每个画家都有自己的习惯用色。而且，因为没有管装颜料，都是现用现磨，所以在用量上也很计较，不像现代画家这么随意。这就限制了古代画家的用色，但是也练就了他们对色彩本身的控制能力，只用很少的颜色也可以调出丰富的变化，同时画面会比较容易协调。一个一流的大师的画布上，有时只有7到10种颜料，而他们的调色板上，每一天所用到的颜色种类往往更少，间接画法就是这样，有时一天之内只用三种颜料就足够了。
谈到古代画家的追求，不同时期不同风格，追求都是不一样的。
中世纪的圣像画家追求超脱于人世的神的光荣，他们的作品带有强烈的象征意味和神秘色彩，颜色与现实世界的固有色之间有着很大的差别，现在看来，他们追求的超脱世俗，也许正是艺术本身终极的追求。
文艺复兴时期的画家追求对永恒的赞美，还有对人类自身的英雄主义的赞美，他们最求在二维的画面上塑造雕像一样实在稳定的形象，构图也追求稳定，追求形体边界清晰的轮廓感，是一种最明晰的语言，毫不含糊，也反对玩弄色彩的魔术，反对花里胡哨的东西。
威尼斯画派到巴洛克、洛可可时期开始，艺术家开始从对神和英雄的赞叹转向对世俗的人的赞美，他们的画更容易满足人的感官需求而不是精神需求，形象的稳定感慢慢消失，光在画面里的作用渐渐明显，构图开始上下翻飞，色彩也渐渐浓重明亮，他们不追求恒定感，而是对瞬间视觉的捕捉，形象的轮廓线也不再处处清晰，但这时，画面仍是以明度调子为主导的。
学院派反对这种对幻象的追求，想回归文艺复兴的理想，不过事实上他们的色彩还是比古代要鲜丽，构图还是更复杂一些。
十九世纪的新古典和浪漫主义基本延续的还是这几种路子，不过他们更强调艺术和政治生活的联系，已经不再是单纯从视觉语言上做文章了。
再之后就有了印象派之类，就被划入现代艺术范畴了。
